그림을 그리거나 감상할 때 흔히 우리가 보고 인식하고 있는 대로 표현하거나 해석하려고 합니다. 익숙한 형식을 벗어난 그림을 보면 어떤 것이 느껴지나요? "나무가 왜 빨간색이지?", "하늘이 왜 노란색이야?" 사실적인 그림에 익숙한 우리 눈에는 조금 당황스러울 수 있는 색감이죠.
그런데 이런 '엉뚱한' 색채를 세상에 당당하게 내놓은 화가들이 있었습니다. 바로 야수주의(Fauvism) 화가들이고, 그 한가운데 앙리 마티스가 있었습니다.
오늘은 이 짧지만 강렬했던 미술 사조와, 평생 색채를 사랑했던 한 화가의 이야기를 편하게 풀어보려고 합니다.
야수주의는 어떻게 시작됐을까?
20세기 초, 화가들은 조금 다른 고민에 빠지기 시작했습니다. 사진 기술이 발전하면서 "대상을 똑같이 그리는 것"은 더 이상 그림만의 특권이 아니게 된 거예요.
사진기의 출현은 그 시대 화가들에게 매우 놀라운 이슈로 위협적으로 느껴졌을 거예요. 더 이상 대중의 필요에서 밀려나 존재감 자체에 위기 의식을 느끼게 된 것입니다.
그러다 보니 화가들은 자연스럽게 다른 질문을 던지게 됩니다. "그림을 꼭 눈에 보이는 대로 그려야 할까? 내가 느낀 감정을 그대로 담을 수는 없을까?"
이런 흐름 속에서 1905년, 파리의 살롱 도톤느(Salon Dotonne)에 마티스와 그의 동료들이 작품을 선보입니다.
강렬한 원색이 가득한 그림들을 본 한 비평가는 "마치 야수들의 우리에 갇힌 것 같다"는 말로 혹평을 남기는데요, 이 한마디가 그대로 사조의 이름이 되어버립니다. 야수주의(Fauvism), '야수들'이라는 뜻이죠. 분명한 붓질과 색채의 왜곡이 원시적이라고 하여 원시주의 화풍으로 불리기도 했습니다.
재미있는 건 이 야수주의가 오래 지속된 흐름이 아니었다는 점이에요. 대략 1904년부터 1908년, 채 5년도 안 되는 짧은 기간 동안 반짝였다가 사라졌습니다. 그런데도 이 짧은 순간이 현대 미술로 가는 중요한 다리 역할을 했다는 게 놀랍습니다.
야수주의만의 특징, 뭐가 달랐을까?
야수주의 그림을 처음 보면 "이게 뭐지?" 싶다가도, 자꾸 눈이 가는 묘한 매력이 있습니다. 몇 가지 특징을 짚어볼게요.
색의 온도와 감정을 중시, 색채해방
야수주의 화가들은 나무는 초록색, 하늘은 파란색이어야 한다는 고정관념을 과감히 버렸습니다. 대신 지금 이 순간 느껴지는 감정에 따라 색을 골랐어요. 그러기 위해 먼저 상대를 자세히 관찰하고 그것에서 느껴지는 순간적인 감정을 붙잡는 것입니다. 그래서 하늘이 노란색이고 얼굴이 초록색인 그림도 등장하게 된 거죠.
섬세함보다는 즉흥적인 붓질
세밀하게 다듬은 붓터치보다는, 대상을 보고 순간적으로 느낀 감정을 굵고 시원한 붓질로 옮겨 담았습니다. 그 효과는 실제와 똑같게 보이도록 계산된 매끄러운 그림보다는, 살아 움직이는 듯한 느낌에 가깝습니다.
입체감보다 평면의 조화
원근법이나 입체감에 크게 신경 쓰지 않고, 화면 전체가 색채로 얼마나 조화롭게 어우러지는지를 더 중요하게 여겼습니다.
원근법은 15세기 이탈리아 피렌체의 필리포 브루넬레스키에 의해 발명 되었고 마사초에 의해 회화에 구현하게 되었습니다. 2차원의 평면 위에 3차원의 입체감과 공간감을 부여 할 수 있는 이 혁신적인 기법에 의해 수세기 동안 화가들은 그야말로 신의 경지에 이를 만큼 실제보다 더 실제처럼 정교하고 아름답게 표현했습니다.
그러나 19세기 사진기의 출현은 그 혁신적 기술을 무의미하게 만들었고 화가들은 평면에서의 조화를 연구하기 시작했습니다.
폴 세잔에게서 받은 영향
색채가 단순히 장식이 아니라 그림을 구성하는 핵심 요소가 될 수 있다는 생각은, 폴 세잔의 구조적인 시각에서 많은 영향을 받은 결과이기도 합니다.
폴 세잔(Paul Cézanne)이 현대 미술, 특히 야수주의나 입체주의에 끼친 결정적인 영향은 대상을 단순히 시각적으로 재현하는 것이 아니라 '본질적인 구조'로 파악한 데 있습니다.
전통적인 회화가 명암법(빛과 어둠)을 사용하여 입체감을 표현했다면, 세잔은 '색채의 변조(Modulation)'를 통해 공간과 부피를 만들어냈습니다.
그는 따뜻한 색과 차가운 색을 미묘하게 배치하여 화면 앞뒤의 거리감을 형성했습니다.
선을 사용하여 대상을 그리는 것이 아니라, 색면 자체를 겹쳐 쌓음으로써 견고한 양감을 구현하는 방식을 취했습니다.
앙리 마티스, 그는 어떤 사람이었을까?
마티스(Henri Matisse, 1869~1954)는 의외로 처음부터 그림을 그리던 사람은 아니었습니다. 원래는 법률 사무소에서 서기로 일하던 평범한 청년이었거든요. 그러다 20대 초반, 어떤 계기로 그림을 접하게 되고, 그 길로 인생의 방향이 완전히 바뀝니다.
스무살 무렵 맹장염 수술을 받고 병상에 있던 중 어머니가 물감을 선물해 주었고 그 계기를 통해 처음 그림을 접하게 되었습니다.
처음에는 당시의 주류인 인상주의와 점묘법의 영향을 받아 그림을 그렸지만, 시간이 지날수록 점점 색채 그 자체의 힘에 빠져들게 됩니다.
마티스가 평생 마음에 품었던 말이 있는데요, 자신의 그림이 "안락의자 같은 예술"이길 바란다는 것이었습니다. 보는 사람에게 편안함과 정신적인 쉼을 주는 그림, 그게 그가 추구한 방향이었어요.
그의 서사 중 말년의 이야기가 특히 인상 깊습니다. 건강이 나빠져 붓을 들기 힘들어졌을 때도 마티스는 창작의 열정을 멈추지 않고 연구를 지속했습니다. 붓을 드는 대신 색종이를 가위로 오려 붙이는 '컷아웃(Cut-outs)' 기법을 새롭게 만들어냈죠. 이를 통해 그는 몸이 예전 같지 않아도, 색을 다루는 마음만은 끝까지 식지 않았던 것을 알 수 있습니다.
야수주의가 남긴 것들
짧게 반짝이고 사라진 야수주의지만, 그 여운은 꽤 오래갔습니다.
야수주의는 그림이 "무엇을 보여주는가"보다 "화가가 무엇을 느꼈는가"를 담는 매체가 될 수 있다는 걸 분명히 보여줬어요.
이런 태도는 이후 독일 표현주의로 이어지며 감정을 극대화해서 표현하는 흐름에 직접적인 영향을 줍니다. 또한 대상을 단순화하고 색채 자체를 강조한 마티스의 방식은, 훗날 현대 추상 미술이 자라나는 데 든든한 밑거름이 되어주었습니다.
마티스 외에도 야수주의의 주요 화가로는 다음과 같은 인물들이 있습니다.
앙드레 드랭(André Derain 1880-1954): 앙드레 드랭은 20세기 초 프랑스 현대 미술의 흐름을 주도한 화가이자 조각가, 무대 디자이너입니다. 마티스와 함께 야수주의를 이끈 핵심 인물로, 강렬한 색채 대비를 보여주었습니다.
모리스 드 블라맹크(Maurice de Vlaminck 1876-1958): 그는 독학으로 미술을 익혔으며, 정규 교육에 얽매이지 않고 자신의 내면을 날것 그대로 캔버스에 쏟아낸 야수파의 가장 본능적인 예술가입니다. 거친 붓질과 격정적인 색채 사용으로 야수파 내에서도 가장 본능적이고 격정적인 화풍을 보여준 것으로 유명합니다.
라울 뒤피(Raoul Dufy 1877-1953): 밝고 경쾌한 색채와 자유로운 선을 특징으로 하는 독자적인 스타일을 발전시켰습니다. '속기법(Shorthand)'이라 불리는 간결한 선으로 대상을 세밀하게 묘사하기보다, 형태의 본질만을 빠르게 포착하는 즉흥적인 선을 사용했습니다.
키스 반 동겐(Kees van Dongen 1877-1968) : '색채 해방'이라는 특징을 바탕으로, 이를 '사교계 인물들의 내면과 감각적 자극'을 표현하는 도구로 사용한 화가입니다. 그의 작품은 오늘날에도 강렬한 인상과 함께 시대를 앞서간 감각적인 세련미를 인정받고 있습니다.
에디터의 노트
다음에 마티스의 그림을 보게 된다면, 이렇게 한번 물어보는 어떨까요. "이 화가는 이 장면에서 어떤 감정을 느꼈을까?"
정답을 찾으려 애쓸 필요는 없습니다. 야수주의가 우리에게 준 건, 결국 대상을 더 자유롭게 바라볼 수 있는 시선이니까요.
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